Open Source Art Festival 2026

OPEN SOURCE ART FESTIVAL 202604-05 września 2026 / SopotTeatr Wybrzeże Scena Kameralna w Sopocie. Open Source Art Festival w Sopocie to interdyscyplinarne wydarzenie artystyczne, skupione na promowaniu najbardziej odkrywczych dźwięków, performanceów oraz muzyki elektronicznej z całego świata. Oscyluje wokół takich gatunków jak drone, noise, minimal ambient, new isolationism czy musique concrete, a także swobodnie je przekracza.

Zależy nam na wspólnym odkrywaniu nowych dźwięków i przeżyć.
Festiwal odbędzie się w dniach 04-05 września 2026 w Teatrze Wybrzeże Scena Kameralna w Sopocie.

festiwal muzyczny - koncerty w Trójmieście
BILETY
Karnet Early Bird: 240 zł Regular: 340 zł
Bilet jednodniowy Early Bird: 180 zł Regular: 250 zł



Lokalizacja koncertów
Teatr Wybrzeże Scena Kameralna | Bohaterów Monte Cassino 30, 81-759 Sopot

Open Source Art Festival odbywa się dzięki wsparciu finansowemu Miasta Sopotu.
Lokalizacja koncertów:Teatr Wybrzeże Scena Kameralna | Bohaterów Monte Cassino 30, 81-759 Sopot
Organizator: Kolonia Artystów
Współorganizator: Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie
Współpraca:Teatr Wybrzeże Scena Kameralna
Sound Support Pro Funktion OneLuminaris
Patronat medialny:Glissando
Bęc Zmiana
ImproSpot
Trojmiasto.pl
Radio GdańskAnxious
Magazine.pl

LOGOS MATER: /ˈPƆL.SKA/
to specjalna edycja projektu LOGOS MATER, poświęcona krajobrazowi językowemu Polski. Projekt ten, stworzony przez Amelie Duchow (we współpracy z artystą multimedialnym Marco Monfardinim), koncentruje się na brzmieniu języka polskiego i jego dialektów regionalnych.
LOGOS MATER bada brzmienie języków, analizując ich emocjonalny wpływ na nasze tożsamości zarówno indywidualne, jak i zbiorowe.

Kompozycja dźwiękowa LOGOS MATER czerpie inspirację z różnorodnych elementów fonetycznych i akustycznych, nierozerwalnie związanych z naturą poszczególnych języków. Amelie Duchow zaprasza do udziału w projekcie osoby z całego świata, poprzez stronę internetową, gdzie każdy może nagrać swój głos, oddając go tym samym do dyspozycji artystki, aby mogła przeprowadzić analizę dźwiękową nagrania, poddać je twórczym manipulacjom i przekształceniom
https://www.extrasync.net/logosmater/index.html
Każdy wykorzystany kompozycji dźwięk pochodzi z nagrań głosowych, które nadają jej wykonaniu unikalną tożsamość. Celem Amelie Duchow jest stworzenie uniwersalnego języka rezonansu przestrzeni dźwiękowej, która ma łączyć nas ponad podziałami kulturowymi i geograficznymi.
LOGOS MATER: /ˈPƆL.SKA/
Badając rytm, melodię, fakturę i ładunek emocjonalny wykraczające poza semantyczne znaczenie słów, artystka traktuje język polski jako przestrzeń dźwiękową niosącą echa tożsamości, kultury i historii.

Projekt będzie przez nią realizowany podczas siedmiodniowej rezydencji artystycznej w gdańskiej Kolonii Artystów, a jego efekt zostanie zaprezentowany 4 września 2026 r. w Sopocie podczas festiwalu OSA.

Artystka zaprosi osoby z lokalnych społeczności do udziału w sesji nagraniowej, podczas której zarejestrują wypowiedzi w swoim języku ojczystym lub dialekcie regionalnym.
Nagrania zostaną zrealizowane przez artystkę w Kolonii Artystów.

Staną się one częścią archiwum dźwiękowego LOGOS MATER, aby później współtworzyć nową konfigurację dzieła, w której brzmienie języka polskiego złączy się z szerszym krajobrazem językowym i akustycznym projektu, pozwalając mu ewoluować dzięki nowym rezonansom.

Zaproszenie do udziału - open call
Amelie Duchow zaprasza do współtworzenia projektu LOGOS MATER : /ˈPƆL.SKA/
w formie nagrania krótkiego tekstu, zdania, wiersza, wspomnienia lub zwrotu w języku ojczystym.
Każde nagranie zostanie zrealizowane indywidualnie w trakcie rezydencji, towarzyszyć mu będzie krótka rozmową z artystką na temat osobistych relacji między językiem, dźwiękiem, pamięcią oraz tożsamością kulturową.

Długość pojedynczego nagrania: maximum 30 sekund
Sesje Nagraniowe
Kolonia Artystów, Gdańsk
29 30 Sierpień 2026
10:0012:00
17:0019:00
Każdy jest mile widziany.

Osoby, które nie mają możliwości uczestniczyć osobiście w sesjach nagraniowych, mogą przesłać swoje nagrania za pośrednictwem poniższej strony internetowej do 2 września 2026 r.
https://www.extrasync.net/logosmater/index.html

Niniejszy utwór powstał dzięki wsparciu finansowemu Unii Europejskiej. Poglądy wyrażone w niniejszym dokumencie w żadnym wypadku nie odzwierciedlają oficjalnego stanowiska Unii Europejskiej.

AMELIE DUCHOW 
Niemiecka artystka audiowizualna Amelie Duchow w swoich pracach zgłębia eksperymentalny obszar relacji między dźwiękiem, przestrzenią a percepcją wizualną.
Jej konceptualne podejście opiera się na grze subtelnych, wielowarstwowych mikrodźwięków i intensywnych struktur elektronicznych, przekształcanych w immersyjne formy wizualne, które przesuwają granice percepcji.
Artystka należy do Female Pressure międzynarodowej sieci i bazy danych skupiającej kobiety działające w obszarze muzyki elektronicznej oraz sztuk wizualnych.
Jej debiutancki album TONSTICH ukazał się nakładem Sync platformy audiowizualnej i wytwórni, którą prowadzi wspólnie z artystą medialnym Marco Monfardinim.
Razem tworzą projekt SCHNITT działający na pograniczu muzyki elektronicznej, sztuki cyfrowej i technologii.
Występowali i prezentowali instalacje audiowizualne na całym świecie, m.in. w muzeach oraz na festiwalach takich jak LEV Festival (Hiszpania), Mutek Montreal (Kanada), Elektra Festival (Kanada), e-phil (Niemcy), Biennale Némo (Francja), Act Festival (Korea Południowa) czy Sonica Festival (Wielka Brytania).

GRAND RIVEWR I ABUL MOGARD
Łącząc dwa pokolenia włoskiej sceny muzyki eksperymentalnej, Grand River i Abul Mogard scalają swoje odmienne podejścia w ewoluującą, nasyconą emocjami przestrzeń dźwiękową. Meandrujące akordy, narastające sprzężenia i wielowarstwowa instrumentacja budują nieustanne poczucie ruchu oraz napięcia. Nawet w najcichszych momentach ich muzyka nie ulega bezruchowi, stopniowo rozwijając się w coś potężnego i wszechogarniającego, kształtowanego przez kontrasty, skalę oraz piękno muzyki filmowej.
Na swoim pierwszym wspólnym albumie, wydanym w 2024 roku nakładem wytwórni Cateriny Barbieri light-years, artyści eksplorują przestrzeń dźwiękową, gdzie czas zdaje się rozpływać w czystą atmosferę. Płyta In uno spazio immenso balansuje między rozmachem i operową intensywnością a chwilami delikatnej powściągliwości, eksponując zarówno subtelne ślady rytmiczne, jak i gęste, immersyjne faktury. Projekt, łączący brzmienie syntezatorów z przetwarzanym sygnałem gitary, był prezentowany wielokrotnie, w tym na festiwalach MUTEK i Berlin Atonal, a także w Centre Pompidou.

MURCOF TWIN COLOR
Album Twin Color Vol. 1 to powrót Murcofa do tworzenia płyt długogrających, w pełnej krasie, niemal dwie dekady po wydaniu w 2007 roku albumu Cosmos. Artysta, ceniony za klasyczne, minimalistyczne faktury i unikalne pejzaże dźwiękowe, ugruntował swoją pozycję jako mistrz współczesnego ambientu, stając w jednym rzędzie z takimi twórcami jak Tim Hecker, Alva Noto czy Jóhann Jóhannsson. Nowym wydawnictwem Murcof wykonuje śmiały krok naprzód, przyjmując zdecydowanie filmową i dystopijną narrację, inspirowaną wielkimi dziełami science fiction lat 80tych. Ów owy kierunek pozwala zanurzyć się w atmosferze, która bywa mroczna, momentami przesycona nostalgicznym blaskiem. Artysta czerpie inspirację z post-punku i synth-waveu, częściowo nawiązując do eksperymentów z czasów współpracy z kolektywem Nortec na początku swojej kariery. Album kultywuje unikalny styl dźwiękowy Murcofa, który łączy analogowe syntezatory z nowoczesnymi technikami produkcji, by stworzyć wielozmysłowe doświadczenie. Rozpoczyna też niezwykle ekscytującą, nową dekadę twórczości artysty.
Kompozycja i produkcja: Fernando Corona (Murcof); materiał powstawał w latach 20202024 w Plasma Studio w Celrà (Hiszpania) oraz w paryskim IRCAM (Francja) podczas rezydencji artystycznych w 2023 roku, przy wsparciu technicznym Pierrea Carré (produkcja muzyki komputerowej w IRCAM) i Clémenta Cerlesa (emisja dźwięku w IRCAM). Twin Color, eksploruje surowe, motoryczne brzmienie i ukazuje się nakładem francuskiej wytwórni InFiné, doskonale wpisując się w jej intelektualnie ukierunkowany katalog. To nie jest zupełnie nowy projekt, skoro firmuję go szyldem Murcof wyjaśnia Corona choć odchodzi od mojej dotychczasowej estetyki. O ile wcześniejsze dokonania artysty często bazowały na samplach muzyki klasycznej i rozbudowanych dronach, o tyle jego najnowszy album jest bardziej eksperymentalny, a momentami zdradza wpływy post-punka.
Album Twin Color powstał w 2020 r., w początkowym okresie pandemicznych lockdownów. Corona, który właśnie skończył 50 lat, pogrążył się w nostalgicznych refleksjach, wracając do swoich bardziej popowych nagrań z lat 80. Płytę przenika melancholia i dotkliwość, które sprzyjają namysłowi. W procesie twórczym brała udział młodsza córka, Alina którą artysta nagrał, gdy śpiewała i bawiła się kablami do syntezatorów modularnych. Z czasem Corona zdał sobie sprawę, że zgromadził materiał bardziej konkretny niż atmosferyczny.

Fernando Corona to kluczowa postać elektronicznej sceny undergroundowej, ceniona za subtelny, lecz znaczący wkład w muzykę. Artysta urodzony w Meksyku, a obecnie mieszkający w Hiszpanii, wkroczył w świat muzyki w latach 80. Zyskał uznanie jako członek wpływowego kolektywu Nortec Collective, by w 2002 roku po przeprowadzce z Tijuany w okolice Barcelony zrealizować solowy projekt jako Murcof. Życie w Europie pozwoliło mu nawiązać kontakty z artystami o podobnej wrażliwości, co pomogło mu wypracować silną pozycję. Choć Murcof był początkowo jedynie projektem pobocznym artysty, szybko zyskał oddane grono odbiorców dzięki regularnemu wydawaniu kolejnych albumów. Murcof powstał z potrzeby stworzenia czegoś bardziej osobistego i introspektywnego. Potem nabrał rozpędu wspomina Corona. Mimo że jako Murcof artysta eksplorował różne gatunki od ambientu, przez industrial, aż po acid house jego dyskografię niezmiennie cechuje głęboka refleksyjność.

melancholijnym powrotom do muzyki z młodości Murcofa towarzyszą szczególne dla niego, rozbudowane formy, nadające tej nostalgicznej podróży wyraźnie osobisty charakter ECHOES AND DUST

Znany z klasycznie minimalistycznych faktur i ambientowych pejzaży dźwiękowych, Corona wykonuje odważny krok, sięgając po >>filmowe, dystopijne brzmienie
Na swojej nowej, dystopijnej płycie Murcof wykorzystuje estetykę science fiction lat 80. RESIDENT ADVISOR

CANZONIERI
Canzonieri to multimedialny projekt artystyczno-muzyczny, tworzony przez artystę wizualnego Emiliano Maggiego oraz muzyka Cosimo Damiano. Łączy on eksperymenty w ramach muzyki elektronicznej i elektroakustycznej z elementami neofolku, czy praktyk aleatorycznych. Projekt bazuje na elektronicznej manipulacji dźwiękiem instrumentów akustycznych głos, fisharmonia, flety, instrumenty smyczkowe i perkusyjne na żywo. Artyści często wykorzystują instrumenty zmontowane własnoręcznie, dostosowując je do miejsca koncertu i okoliczności.

Alegoria, symbolika, groza, pożądanie, dekonstrukcja, metamorfoza, inność oraz wątki kontrkulturowe znajdują odzwierciedlenie w onirycznym świecie wyobraźni Canzonieri. Z niego rodzą się autorskie kostiumy duetu, przywołujące postacie poetów, bajarzy, błaznów, goblinów, etc.

KMRU
KMRU (Joseph Kamaru) to urodzony w Nairobi i mieszkający w Berlinie artysta dźwiękowy, którego twórczość obejmuje nagrania terenowe, kompozycję eksperymentalną, instalacje oraz performanse. W swoich pracach zgłębia zagadnienia poszerzonych praktyk słuchania, ekologii i pamięci dźwiękowej, wykraczając poza konwencjonalne ramy percepcji słuchowej. Występował i prezentował swoje prace na całym świecie m.in. podczas festiwali Berlin Atonal, CTM i Ars Electronica oraz w Barbican Centre i na Biennale Architektury w Wenecji. Jego albumy ukazały się nakładem takich wytwórni jak Editions Mego, Touch czy Subtext.

RAFAEL ANTON IRISARRI
Od dwóch dekad Rafael Anton Irisarri jest jedną z kluczowych postaci współczesnej muzyki ambient i eksperymentalnej. Iberoamerykański kompozytor, producent i inżynier dźwięku (zajmujący się również masteringiem), wywodzący się z kręgu kultury baskijskiej, buduje swoje kompozycje w oparciu o przetwarzane brzmienie gitar, gęstość spektralną oraz immersyjne środowiska dźwiękowe, w których rezonans niesie ze sobą ładunek emocjonalny.

Artysta, obecny na międzynarodowej scenie muzycznej od lat 2000. (także jako The Sight Below w Ghostly International), wypracował własny język muzyczny zakorzeniony w trwaniu, nasyceniu harmonicznym i świadomości przestrzeni. Jako założyciel Black Knoll Studio w dolinie rzeki Hudson (Nowy Jork), łączy działalność twórczą z pracą inżyniera i producenta, co przekłada się na jego niezwykle staranne podejście do barwy, struktury i skali dźwięku.

Jego najnowszy album, Points of Inaccessibility, powstał w trakcie rezydencji artystycznej w Pieter Baan Centre w Utrechcie dawniej ośrodku detencji psychicznie chorych przestępców, którego przesycona specyficzną atmosferą architektura wywarła istotny wpływ na proces nagraniowy. Dzieło to pogłębia podejmowane przez artystę od lat wątki pamięci, dystansu i ciszy, czyniąc z samej przestrzeni siłę kształtującą kompozycję.

AHO SSAN
Aho Ssan to pseudonim artystyczny Niamké Désiré - twórcy mieszkającego w Paryżu. Po studiach z zakresu projektowania graficznego i filmu zajął się komponowaniem muzyki elektronicznej oraz tworzeniem własnych instrumentów cyfrowych. Wkrótce w 2015 roku zdobył nagrodę telewizyjną Fondation de France za ścieżkę dźwiękową do filmu Inghi Mago. Od tamtej pory współpracował przy szeregu projektów z francuskimi instytucjami IRCAM i GRM.

Jego debiutancki album, Simulacrum, ukazał się w 2020 roku nakładem wytwórni Subtext Recordings. Czerpiąc z koncepcji Jeana Baudrillarda, artysta analizował sposób, w jaki społeczeństwo prezentuje idee inkluzywności i równości, konfrontując je z osobistymi doświadczeniami Osoby Czarnoskórej dorastającej we Francji. Aho Ssan po raz pierwszy zaprezentował materiał z Simulacrum na festiwalu Berlin Atonal w 2019 roku.

Od tego czasu jego twórczość była prezentowana w prestiżowych instytucjach w Europie i Stanach Zjednoczonych, takich jak Lincoln Center (Nowy Jork), Maison de la Radio (Paryż), CTM Festival (Berlin), MACBA (Barcelona), Muziekgebouw (Amsterdam) czy Filharmonia Krakowska (Kraków).
W 2022 roku wydał wspólnie z KMRU album Limen, wziął udział w inicjatywie SHAPE+ platformie organizowanej corocznie przez stowarzyszenie 16 festiwali i ośrodków sztuki, w tym berliński CTM Festival czy krakowski Unsound Festival.
Jego muzyka zyskała uznanie w mediach, np. NPR, Pitchfork, Resident Advisor, Libération, The Wire czy The Quietus. Artysta wydał również solowy album Rhizomes nakładem wytwórni Other People, należącej do Nicolasa Jaara. W lipcu ubiegłego roku ukazał się album Ego Death nagrany we współpracy z Resiną, prezentowany na najważniejszych festiwalach i w renomowanych instytucjach, jak Berlin Atonal, Rewire, Lunchmeat, Unsound oraz Lincoln Center w Nowym Jorku.

Venues location:Wybrzeże Theatre, Small Stage, at: Bohaterów Monte Cassino 30, 81-759 Sopot
Organizer:Kolonia Artystów
Co-organizer:Państwowa Galeria Sztuki w Sopocie
Collaboration:Teatr Wybrzeże Scena KameralnaSound Support Pro Funktion OneLuminaris
Media patronage:GlissandoBęc ZmianaImproSpotTrojmiasto.plRadio GdańskAnxiousMagazine.pl